PELÍCULA RECOMENDADA: Er ist wieder da

HA VUELTO (David Wnendt)




En la época actual, Adolf Hitler se despierta en Berlín, sin memoria y sin idea de lo que ha transcurrido tras el año 1945.

La cinta, en clave de falso documental, nos muestra hasta que punto la mentalidad de Hitler puede aplicarse a nuestra actualidad, y que tanto o tan poco a cambiado la sociedad con respecto a aquella que dio a luz los sucesos de la segunda guerra, sin olvidar sus pinceladas de humor.

Graciosa y terrorífica al mismo tiempo.



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El sacrificio de un ciervo sagrado (2017)

El director de esta película nos plantea un interesante interrogante: ¿Qué tan lejos podemos llegar por salvar la vida de un miembro de la familia? Y antes de que digan "¡Yo haría lo que fuera por salvar la vida de un familiar!", el director contrapregunta: ¿Mataría a un miembro de su familia por salvar la vida de otro miembro de la familia?

Irreconocible Alicia Silverstone. (Sobretodo porque, aunque breve, hace un papel muy bueno).


Bajo esta premisa arranca la cinta que nos cuenta la historia de un eminente cirujano quien tienen una amistad con un niño de 16 años, que le cambia dramáticamente la vida.


Hay una expresión llamada "Suspensión de la incredulidad", y hace referencia a ese límite entre lo creíble y lo no creíble en la que se mueven las obras literarias, teatrales y cinematográficas, y que le pide al espectador que, aunque sabe que lo que está presenciando no es real, crea en ellas. 


Denle el Oscar a este muchacho, muy pasada su actuación.


Todos sabemos que no hay autobots del espacio exterior o monstruos que necesiten de los gritos de los niños, pero aún así asumimos como ciertas ciertas premisas con el fin de disfrutar una historia. Una especie de "Por favor, engáñenme pero diviértanme".  Esta película en particular, como todas las de Yorgos Lanthimos, su director y escritor, nos obliga a tomar como verídicas ciertas situaciones que escapan al sentido común y a la lógica, pero si aceptamos este principio podemos meternos en la historia del cirujano y su dilema moral.


La cinta visualmente recuerda a Stanley Kubrick y, más exactamente, Eyes wide shut, Nicole Kidman incluida.


No apta para estómagos sensibles, es como una poesía triste que no te deja enseñanza, sólo vivencias.

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THE DISASTER ARTIST


Existen dos tipos de películas malas, dependiendo de la emoción con las que se miren. Estas las malas que no despiertan ninguna emoción, que es como si no se hubieran visto. Y están las malas MALAS, que elevan diferentes pasiones, desde el odio encarnado hasta la risa involuntaria. Son tan malas que terminan siendo buenas. Y es a este último grupo al que pertenece una obra llamada “The room”.

Si usted no la ha visto, se está perdiendo de una de las mejores comedias no intencionales de la historia del cine. Y es que no tiene presa mala (o, en este caso, buena). Las actuaciones son malísimas, el protagonista /director /guionista/ productor Tommy Wiseau parece drogado toda la cinta, en varias escenas parece que no se creyera los diálogos que él mismo escribió. El guión es ridículo y la dirección deja mucho que desear.



Y esta recomendadísima pésima película es el punto de partida de la cinta “The disaster artist”, que recrea el nacimiento de “the room”, a manos de un Tommy Wiseau brillantemente interpretado por James Franco (Ojo que acá puede estar el premio Oscar a mejor actor), quien también ejerce la función de director. Es increible como pasa uno de burlarse del buen Tommy, hasta empatizar y defenderlo, al igual que la gran cantidad de seguidores que llenan las salas cada vez que se repite su película.

Recomendadas ambas, y en ese orden de visualización, The Room y The disaster artist.

I, TONYA Y COMO HACER UN BIOPIC

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El principal problema que tiene un autor al intentar hacer una película biográfica, o biopic, es el de pararse en la delgada línea que divide la aburrida realidad y la increíble ficción, y decidir hacia que lado encaminar su película. Y es en este sinuoso recorrido en el que la película puede resultar un fidedigno bodrio o una buena película alejada de la realidad. Muy pocos directores han sorteado con éxito esta dicotomía (Milos Forman entre sus mejores exponentes), y el no muy experto Craig Gillespie sale airoso.




I, Tonya nos narra en clave de mockumentary (o falso documental) la dura vida de la patinadora Tonya Harding y del suceso "Nancy Kerrington", contrincante suya que sufrió un ataque del cual fue acusada la Harding. El formato es ágil y divertido, la cámara viaja por las escenas al mejor estilo de Scorsese o Thomas Anderson. Y esta forma dinámica de filmar se adereza con un formato divertido en el cual los personajes rompen la cuarta pared, hablando a cámara en los momentos más inesperados. La recreación y el gusto por el detalle es de destacar: basta con comparar las imágenes de la película con las escenas reales que se encuentran en internet.

Otro elemento digno de destacar es el de una banda sonora que recrea los ochentas, con música de Supertramp, Dire Strats, Fleetwood Mac, Heart, Laura Branigan, Violent Femmes, Doris Day y Siouxsie And The Banshees, entre otros.

Mucho se ha hablado de la actuación de Margot Robbie, sin duda la mejor de su corta carrera y que posiblemente la haga merecedora de un premio Oscar. La actriz tuvo que aprender desde cero a patinar para dar veracidad a su personaje, aunque obviamente las rutinas más elaboradas son cortesía de una doble más la magia del CGI. Pero quien se lleva las palmas es la actriz que hace de su madre, un personaje complicado excelentemente interpretado por Allison Janney.

No hay que saber de patinaje para disfrutar una cinta notoriamente hecha con profesionalismo y con el ánimo de divertir.

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FORMA DEL AGUA SIN FONDO

Guillermo del Toro es sin duda uno de los mejores autores de películas visualmente impactantes e imaginativas. Desde La invención de cronos, su cine ha sido una muestra de gran imaginación unida a un gran cuidado en el aspecto estético. 
Su más grande logro de taquilla y crítica lo obtuvo en el año 2006 con El laberinto del Fauno, una fábula tan extraordinaria como cruel. Luego de una irregular seguidilla de películas, del Toro vuelve al tema fantástico con una historia ambientada en plena guerra fría como telón de fondo del nacimiento del romance entre una mujer del aseo y un hombre anfibio.




Se nota sin duda el amor que siente el director por su trabajo. Cada plano es bien cuidado, cada detalle está cuidadosamente estudiado, la música es totalmente la indicada en cada toma, con canciones de autores de la talla de Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Frank Sinatra, Nat King Cole, entre otros. las actuaciones son lo que se espera del guión. Y es que si en algo falla La forma del agua es en ese apartado. La historia es la que hemos visto millones de veces, el personaje femenino con muchos fallos pero lleno de virtudes, sin amor, que redime y salva al héroe caido en desgracia. Una mezcla de Splah, ET y La bella y la bestia. 

Es una pena que todo el trabajo logrado en la puesta en escena no brille en todo su esplendor debido a una historia casi simplona, llena de estereotipos y personajes unidimensionales. Tiene dos historias que no se desarrollan todo lo posible, la de amor y la de la guerra fría.

Sin embargo se deja ver, recomendada a los incondicionales de las historias de amor y de la estética de cintas como Amelie
No recomendada para los que esperan ver otro Laberinto del fauno.

I LOVE YOU DADDY. ¿ES POSIBLE SEPARAR AL AUTOR DE LA OBRA?











Si estamos en contra de las drogas, parafraseando a Bill Hicks, deberíamos deshacernos de gran cantidad de la música que tengamos, ya que no es oculta la afición de una gran cantidad de músicos hacia las sustancias que ilegalmente expandan la mente. 

Y eso aplica a cualquier arte. Es necesario hacer una línea entre las acciones de una persona y su obra. Roman Polanski no puede poner un pie en Estados Unidos so pena de ir preso por la acusación de haber violado a una niña de 13 años, lo cual no ha impedido que el director siga creando películas en otros países, con su calidad habitual. Pregunto, sin ánimo de levantar polémica ¿Si censuramos sus acciones debemos odiar su cine?


¿Era necesario borrar a Kevin Spacey de una película y eliminar su personaje de su exitosa serie debido a las acusaciones en su contra? Haciendo de abogado del diablo y asumiendo con total seguridad que Spacey fuera culpable, sería necesario, para ser coherentes, borrarlo de todas las películas en las que aparece, incluido su protagónico en Sospechosos de siempre, y sus 13 películas anteriores. 



Los que aman House of cards no son cómplices de violación ni comulgan con lo que hizo SpaceyTal vez el más sonado caso, gracias a la increible cantidad de seguidores y detractores, es el de Woody Allen. Acusado actualmente de ejercer violencia sexual contra su hija adoptiva, Allen no ha sido ajeno al escándalo, desde que decidió unir su vida con Soon Yi Previn, la hija adoptiva de Mia Farrow y Andre Previn. 

Curiosamente la vida imitó al arte, ya que muchos años antes, cuando ni siquiera era novio de Mia Farrow, Allen nos entregaba la historia de un cuarentón que se enamora de una joven de 17 años, en Manhattan una nostálgica cinta rodada en blanco y negro.



38 años después, Louis CK homenajea directamente esta cinta que nos narra la historia de un veterano director que se enamora de la hija adolescente del propio Louis CK. Y para rematar el parecido, también fue rodada en blanco y negro con un estilo muy similar al de Allen. La cinta padece el mal de acercarnos a dos escándalos. Primero, el mencionado homenaje a un personaje acusado de abuso a una menor y su reivindicación a lo largo de la trama. Dos personajes femeninos justifican la relación entre el hombre mayor y la menor de edad. Hasta la amiga de la protagonista, de 17 años, menciona que todos somos pervertidos, justificando así la relación. 



Y la pareja de Louis sugiere que se es maduro sexualmente desde los 13, y que la edad legal es sólo un número. Con dichas referencias, no es raro adivinar el escándalo que envuelve a esta cinta. 



Y por desgracia para su director, escritor y protagonista, no es la única.


El segundo detalle que afecta a la cinta y al mismo CK es la del escándalo por de conducta sexual indebida del que ahora es protagonista. Cinco mujeres, en diferentes circunstancias, acusan al cómico de desnudarse y masturbarse frente a ellas. La denuncia salió a luz justamente en vísperas del estreno de I love you daddy, sepultando su lanzamiento y futuras exhibiciones. La cinta, que el director financió en su totalidad y que fue rodada en secreto, muy posiblemente no será mostrada oficialmente, lo que se suma al despido de CK de sus proyectos en HBO y Netflix. La escena de la película en la que un personaje finje masturbarse frente a otras personas no hace más que avivar la llama.



Con todas estas taras encima, es necesario juzgar a la cinta intentando alejarse de los escándalos relacionados.

LADY BIRD Y EL MUMBLECORE

Las exageradas producciones hollywoodenses con más efectos que alma han llevado al cine de autor a buscar otras salidas artísticas. Así como desde hace varios años nos hemos acostumbrado al término "Indie" como sinónimo de cine personal, íntimo y más cercano a la vida misma, ahora nos llega su hijo favorito: El mumblecore.




Este nuevo estilo de hacer cine se caracteriza por ser un cine muy natural, a medio camino entre la comedia y el drama, más cercano al teatro, lo que asegura muchas escenas en planos largos, cámara en mano y muchos diálogos. El término [mumble: mascullar, balbucear]viene de la características de sus protagonistas de balbucear y mascullar sus diálogos, a la vez que son incapaces de expresar de forma clara sus deseos y emociones. Suelen ser personajes de clase media alta en Estados Unidos entre los 20 y los 35 años que no encuentran su lugar en el mundo.

Una de sus exponentes es Greta Gerwig, quien inició protagonizando muchas de cintas de este género y ahora se arriesga a a dirección, con una cinta notoriamente autobiográfica mostrándonos su vida un año antes de entrar a la universidad. "Lady Bird" es una comedia adolescente de crecimiento o "rito de paso", con los típicos elementos en un producto de este tipo (primer amor, pérdida de la virginidad, baile de graduación). La película peca de excesiva corrección política, en una época en la que el espectador pide tramas más elaboradas, personajes con estructuras morales más complejas y una puesta visual más gratificante. Es muy notorio que la directora quiso reflejar sus propias vivencias que, aunque sin duda fueron de gran importancia para su vida, no tienen el suficiente gancho para generar interés en alguien más.


Una película que no dejará mayor huella, mediatizada en un momento de corrección política con cara a los Oscar. A su protagonista, Saoirse Ronan, se le ha celebrado su actuación, aunque un visionado del film no deja duda de la superioridad actoral que tiene Laurie Metcalf, quien interpreta a la madre de la protagonista, regalándonos un excelente trabajo que no ha sido tenido en cuenta.


Si se quiere ver una película que toque la misma temática pero que deje mejor sabor de boca, una excelente opción es ver "The Edge of Seventeen", película del 2016 y que, aunque pasó bajo el radar, está mejor lograda que la mencionada Lady Bird.


Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Y empezamos con el primer peliculón visto este año.



"3 anuncios por un crimen" nos cuenta la historia de Mildred Hayes, una mujer que ve la incapacidad de la policía por resolver la violación y asesinato de su hija y decide poner tres vallas en la carretera de su pueblo denunciando el crimen. Este atípico punto de partida nos permite zambullirnos en las interesantes historias de sus protagonistas.

El trio principal (Frances McDormand, Woody Harrelson y Sam Rockwell) se luce en sus actuaciones, apoyándose en un guión sólido y que no decae en ningún momento. Conocemos no sólo el drama del trio protagonista sino también su relación con sus respectivas familias.

Visualmente muy bien lograda, es una propuesta bien hecha, alejada de los estereotipos del cine de detectives. Un film negro y triste pero a la vez muy divertido e irónico, una eficiente mezcla de comedia negra, drama y thriller policial. Una película, como las de antes, como las que cada vez se hacen menos .